Imitación de cine: 5 películas de Hollywood que los rusos hicieron primero

El verano está aquí, y los multicines están inundados de secuelas obligatorias, remakes valientes, adaptaciones de cómics y reinicios de franquicias. Aunque hay algunos que podrían hacerlo quejarse de la falta de originalidad del cine moderno , podría ser útil recordar cómo algunos de los mayores logros del cine mundial han sido tomados de trabajos anteriores. Los siete magníficos es un riff Siete samuráis por Akira Kurosawa, cuyo Trono de sangre se levantó directamente de Macbeth . Dicen que los buenos artistas piden prestado, pero los grandes artistas roban.

Mirando la tradición cinematográfica rusa y la de la Unión Soviética antes de ella hay más de unas pocas ocasiones de superposición con Hollywood, pero aparte del remake ocasional, como la versión de Steven Soderbergh de Andrey Tarkovsky Solaris o la adaptación de Mel Brooks del cómic clásico Doce sillas , la mayoría de los ejemplos son apropiaciones rusas de las ideas estadounidenses: la desvergonzada estafa de los Vengadores que es Guardianes , o la comedia de situación apenas renombrada Siempre hace sol en Moscú , por ejemplo. Sin embargo, hay casos en los que detrás de las principales películas estadounidenses se encuentran versiones rusas más antiguas y exitosas que ya habían abordado tramas y temas casi idénticos. Aquí hay una breve introducción.

Sol blanco del desierto dir. Vladimir Motyl, 1970 / Mad Max: Furia en la carretera dir. George Miller, 2015

Un misterioso solitario lejos de casa. Vastas y despiadadas extensiones de desierto. Un grupo de esposas que huyen de un marido que las usaría y las descartaría como objetos. Persecuciones, peleas a puñetazos y escapes estrechos. Sería perdonado por pensar queestoy hablando del explosivo de George Miller Mad Max: Furia en la carretera 2015, pero cualquier ruso que se precie sabría a qué clásico me refiero: Vladimir Motyl's Sol blanco del desierto 1970. Mientras Furia en la carretera continuaría ganando elogios y elogios vertiginosos de los críticos eventualmente obteniendo una nominación al Oscar a la Mejor Película, no ha experimentado todavía las décadas de estatus de culto que ha disfrutado su contraparte soviética.

sol blanco también se presenta como un "oriental" soviético por excelencia, una inversión fascinante del occidental. Mientras que las películas de vaqueros hablan de la americanización constante del continente, los "orientales" como sol blanco no tengo una resolución tan fácil. Cuando el Imperio ruso se propuso conquistar los diversos kanatos arraigados en Asia central, descubrió, en las famosas palabras del protagonista de la película, el camarada Sukhov, que "Oriente es un asunto delicado".

Con la traumática historia de las invasiones mongoles a sus espaldas, y el eventual ascenso de China aún por llegar, la descripción en las películas soviéticas del Este como una fuerza invencible, a veces incognoscible, es un signo de su influencia inquebrantable en la mente rusa.A diferencia de las ideas estadounidenses de "destino manifiesto", las ambiciones imperiales de Rusia empujaron hacia una frontera que nunca podría alcanzarse realmente.

Ivan Vasilievich cambia de profesión dir. Leonid Gaidai, 1973 / Regreso al futuro dir. Robert Zemeckis, 1985

Jugando con el pasado, el pánico de un joven inteligente, la ciencia va terriblemente, hilarantemente mal, si eso te hace pensar en el original Regreso al futuro , tendrías razón, pero Leonid Gaidai Ivan Vasilievich cambia de profesión es anterior al DeLorean más famoso del mundo en doce años completos.

Mientras que la trilogía estadounidense sigue los intentos de Doc y Marty de cambiar o corregir el pasado Ivan VasilievichLa trama de gira en torno a los experimentos de Shurik, un joven científico que accidentalmente envía al superintendente de su edificio junto con un ladrón local a la era de Iván el Terrible. El superintendente de Shurik, el epónimo Ivan Vasilievich, es confundido con el zar, quien a su vez es llevado a la Rusia actual. Se produce hilaridad.

Ambas películas son inconfundiblemente comedias ligeras, pero sus diferencias brindan una idea de sus culturas madres. El excéntrico central de la película estadounidense, Doc Brown, es un chiflado porque cree en su capacidad para controlar el tiempo; al igual que en el western, la película habla a unconfianza en el potencial de la humanidad para comprender y conquistar la naturaleza. El loco de la película rusa, Ivan Vasilievich, finalmente intenta asentarse en su papel de zar: su absurdo radica en la creencia de que puede trasplantarse a la historia y revivir el pasado.Mientras Regreso al futuro juega con las ansiedades románticas estadounidenses y el amor por la paradoja, el viaje de Iván el Terrible a través del Moscú de los 70 termina siendo un recordatorio conmovedor de la presencia e influencia inquebrantables del pasado en la sociedad rusa moderna.

¡Hola, soy tu tía! dir. Viktor Titov, 1974 / Sra. Doubtfire dir. Chris Columbus, 1993

Mucho antes de que RuPaul y Caitlyn Jenner llamaran la atención sobre los problemas de la vida drag y transgénero, el giro de Robin Williams como un hombre obligado a vestirse de mujer para reunir a su familia formó el núcleo emocional del clásico de los 90 Sra. Doubtfire . Babbs Baberly, el héroe soviético de 1974 ¡Hola, soy tu tía! , también resulta ser un hombre, con mala suerte, que encuentra una solución en hacerse pasar por una mujer mayor. Sin embargo, sus intenciones son quizás menos altruistas: lo chantajean para que juegue a un millonario viudo para asegurar matrimonios lucrativos para dos cónyuges.hombres.

Ambas películas se estrenaron en un momento en que sus respectivas culturas consideraban que tomarse en serio el drag era un signo de profunda confusión y perturbación emocional: personajes travestidos, como psicópata Norman Bates o Silencio de los corderos 'Buffalo Bill, generalmente se describía como maníacos. Mientras que los hombres heterosexuales que usan arrastre para obtener lo que quieren, comprensiblemente, pueden ser vistos como un punto polémico de la trama en 2017 , especialmente si se juega para reírse, ambas películas permitieron que las preguntas sobre la presentación del género y la masculinidad se convirtieran en temas de conversación no amenazante en la mesa de la cena en entornos culturales que de otro modo serían hostiles.

El espejo dir. Andrey Tarkovsky, 1975 / El árbol de la vida dir. Terrence Malick, 2011

Quejas de un público confundido que sale de las proyecciones de la obra maestra de 2011 de Terrence Malick El árbol de la vida puede haber incitado a un teatro a grabar a letrero chistoso de "no reembolso" a la taquilla, pero eso no impidió que la película encabezara las listas de fin de año y ganara los honores preventivos de "mejor de la década". El atento rusófilo puede recordar una controversia similar sobre el estreno de la película más controvertida de Andrey Tarkovsky.película: El espejo . Ambas películas emplean una narración no lineal en un intento de reflejar la geografía interna de la memoria, el pensamiento, la culpa y la maternidad, lo que, comprensiblemente, desconcertó a los espectadores que esperaban una comida más ligera de palomitas de maíz.

mientras la madre está adentro El árbol de la vida es una presencia vívida y conmovedora en la vida de sus hijos, Tarkovsky opta por un enfoque más distante y cerebral de las relaciones familiares, que lleva al público a reflexionar sobre la naturaleza voluble de la intimidad en sí. Este minimalismo emocional refleja una economía más amplia del arte: mientras que la película de Malick dura más de dos horas y evoca el Big Bang y los dinosaurios en su intento de procesar la conexión humana, El espejo cumple sus ambiciones en casi una hora y media.

En ambas películas, el descenso del personaje principal a la memoria es provocado por la muerte, la guerra y la enfermedad, lo que sugiere que los enfoques no lineales pueden ser la única respuesta legítima al trauma que desquicia las nociones inquebrantables del tiempo y las relaciones humanas. Todos estos son temas Tarkovskycontinuaría explorando en su próxima película Acechador .

Vigilancia nocturna dir. Timur Bekmambetov, 2004 / Los instrumentos mortales: Ciudad de huesos dir. Harald Zwart, 2013

El antiguo choque oculto entre las fuerzas sobrenaturales de la luz y la oscuridad sirve como la historia de fondo común para una ola aparentemente imparable de películas dirigidas a adultos jóvenes, con Los instrumentos mortales franquicia que tiene la distinción de generar una película importante Ciudad de los huesos y una serie de televisión en curso Cazadores de sombras .La película en sí junto con los productos básicos del género Crepúsculo , Percy Jackson y Constantino sigue a una persona aparentemente mundana mientras se convierte en un jugador clave en una guerra paranormal, que es precisamente la trama de 2004 Vigilancia nocturna .

Teniendo lugar en Moscú, la película de Timur Bekmambetov anticipa todos los elementos de lo que se convertiría en la tendencia más lucrativa de Hollywood de la última década: poderes sobrenaturales como cumplimiento de deseos, transposición de elementos de fantasía a ciudades modernas y enfrentando a una serie de héroes ambiguos entre sí.Pero en lugar de aprovechar a los protagonistas adolescentes y así vincular la aparición de poderes sobrenaturales con la pubertad, la adaptación de Bekmambetov de la novela más vendida de Sergei Lukyanenko se comercializa a una audiencia adulta y lucha con los temas más maduros del divorcio y la paternidad.